FenX est un artiste urbain né en 1974 dans le département des Hauts-de-Seine, dans la banlieue de Pairs. Il vit et travaille en France.

Lorsqu’il était adolescent, il était impliqué dans le mouvement des arts de la rue: il était passionné de graffiti, de hip-hop et de skateboard. En 1995, il prit le pseudonyme FenX (prononcé Fenix). Esprit rebelle, il a commencé à faire du graffiti pour défier les interdits.

Immergé dans la culture des années 1980 (manga, super-héros, bandes dessinées), FenX est peu à peu passé des peintures murales de lieux urbains au travail sur toile, un support lui permettant de créer des œuvres permanentes.

Il est inspiré par des artistes tels que Lichtenstein, Warhol et Crash. Il réinterprète les chefs-d’œuvre du mouvement Pop Art et capture dans ses peintures une énergie et une atmosphère urbaines, introduisant une réflexion sur notre société à travers des phrases cachées, des détails suggestifs ou les titres qu’il donne à ses œuvres.

Ses œuvres ont été exposées en France et à l’étranger (États-Unis, Singapour, Hollande, Hong Kong, Norvège).


« Mon activité dans le Graffiti m’a permis de couvrir beaucoup des aspects de cette culture. De mes premiers graffs nocturnes le long des voies ferrées, sur les trains, mes throw-ups sur les camions et les stores parisiens, il y a eu les commandes des villes pour des ateliers, enfin de grandes fresques murales. 

J’ai eu la chance aussi d’interviewer les pionniers de New York comme Dondi ou Lee pour la presse spécialisée ou donner des conférences pour des institutions comme l’Université de la Sorbonne ou l’Alliance Française. Et vivre le passage du Graffiti au Street Art. Au centre de ce parcours se trouvent les Fantômes.

Ces formes simples issues d’un point d’exclamation, dont l’exécution se fait à la bombe libre dans l’énergie d’un throw-up, sont devenues mon logotype. Le pictogramme s’est substitué à ma signature. Des figures libres, évolutives, obsessives et compulsives comme des tags, elles s’imposent à moi dès que j’ai un stylo en main, quand je scrute les murs de la ville. 

Mes Fantômes sont mes Matisse, mes pissotières, mes comics, mes bananes d’aujourd’hui, indifférents aux likes.Je situe les Fantômes du côté de l’inimaginable: ce qui ne se met pas en image. J’y retrouve le visage des entités astrales qui visitent mes songes, les entités extra-dimensionnelles qui traversent les portes du temps pour nous visiter, parfois nous emmener visiter leur monde dans la réalité d’un rêve. Du Graffiti, les Fantômes sont ma singularité, ma vérité. Une trace de mon humanité, oscillant entre le particulier et l’universel.

Peu importe leur support, situés au delà de l’espace et du temps, ils s’adaptent autant au papier à dessin qu’à la toile, à la photo qu’au mur. Une exposition qui de mon parcours ne garde que l’essentiel. »

Date: 27 février / 29 mars.


Nous sommes honorés de participer à la foire internationale d’Art Urbain qui se déroulera du 23 au 26 avril 2020 au Carreau du Temple à Paris.

affiche Urban Art Fair 2020

Exclu de l’école de Londres en raison de ses premières expériences dans le graffiti, Lucas Price (Cyclops) s’installe à Manchester et plonge dans une existence marginale colorée par la dépendance.

Finançant ce mode de vie via la contrefaçon, il a passé du temps en prison et était généralement sans domicile fixe. Émergeant dix ans plus tard, il s’est retrouvé stimulé par le réseau croissant d’art de rue et a fondé l’équipe de Burning Candy à Londres. Son travail est apparu à la Tate Modern en 2008. Une apparition dans “Exit Through the Gift Shop”, à la demande de Banksy, s’est terminée par une arrestation qui peut être vue dans ce même documentaire nominé aux Oscars.

Le travail de Cyclope lui a valu un poste convoité au Royal College of Art, où il a obtenu une maîtrise. Il travaille maintenant depuis son studio à l’est de Londres.

Bounce - Huile sur toile - 90 x 90 cm

Comme beaucoup de graffeurs, Kidult a bâti une réputation pour interroger et défier l’autorité. Son travail de renommée mondiale a suscité d’innombrables débats sur l’industrie de la mode et de les pratiques d’exploitation qui dénonce le consumérisme.

Les étiquettes et les marques comme Hermès, Céline, Louis Vuitton, et suprême ont tous senti la colère de Kidult, qui est devenu célèbre pour le mattraquage violent à coup d’extincteur à peinture des devantures de magasins à travers le monde.

Kidult explique son indignation et pourquoi il a tellement de rancoeur avec certains aspects de l’industrie de la mode, qui est juste une petite partie d’un problème beaucoup plus vaste: l’esclavage mental.

Il aborde des questions comme la brutalité policière, la violence armée et le racisme en utilisant des clips vidéo troublantes et les contrastant avec des images de ses missions de marquage.

-----------------------------------------------------------------------------------------Bright Implosion - Acrylique sur PVC rétro éclairé Ed. 50 - 37 x 28 x 25 cm
Paint Extinguisher - Peinture mate sur métal (Ed. limitée numérotée) - 58 x 20 cm

Nous sommes honorés de participer au salon “DDESSIN Paris” qui se déroulera du 27 au 29 mars 2020 à l’Atelier Richelieu Paris. Nous vous proposerons un solo show de l’artiste Ben Sack.




Les peintures de Timothy Gatenby présentent des personnages nostalgiques de la télévision des années 90, rendus avec une qualité picturale plus associée à l’estime des beaux-arts qu’à l’amusement du divertissement léger. Des personnages familiers, connus pour leurs couleurs vives et amusantes, sont représentés dans des teintes délavées, leurs surfaces lisses comme des dessins animés représentées comme texturées et grises.

Les personnages généralement joviaux de la télévision populaire sont dépouillés de leurs personnalités brillantes et heureuses et ont sur eux quelque chose de beaucoup plus sinistre est superposé.

Il y a le sentiment que ces souvenirs d’enfance heureux ont été perdus au fil du temps, que l’histoire a oubliés ces personnages, qu’ils ont été écartés à la suite de nouvelles incarnations de personnages pour le divertissement populaire, échoués sur les rives du grand divertissement, devenant juste une réflexion après coup qui n’est plus au premier plan, sauf dans ces tableaux.

 Les œuvres atteignent ainsi une certaine circularité du sens, par laquelle une interprétation tragi-comique peut être poursuivie autant qu’on le souhaite. Les personnages oubliés ne sont pas oubliés après tout, mais reviennent sous une apparence différente.

Ces dernières années, le travail de Gatenby a été sélectionné pour la Columbia Threadneedle Prize Exhibition (2018), le BP Portrait Prize (2012) et la Royal Academy Summer Exhibition (2019, 2012).

Micky piddled 75x60 cm Huile sur toile

Victor Ash, également connu sous le nom de Ash, est un artiste basé à Copenhague et originaire de Paris, en France. Ash travaille principalement sur la toile, la lithographie et parfois les installations. Depuis la fin des années 1980, il expose régulièrement dans divers musées et galeries du monde entier.

Il a commencé sa carrière artistique au début des années 1980 en peignant des bombes sur des palissades au Louvre et autour du Musée national d’art moderne de Paris. De 1983 à 1986, Ash s’appelait Saho, puis Ash2.

En 1984, Ash fut le premier à peindre dans le légendaire pays de Stalingrad ou de La Chapelle, qui devint rapidement un lieu de rassemblement pour le mouvement hip-hop parisien.

Ash faisait partie du Bad Boys Crew ou BadBc avec JayOne et Skki. La BBC avec Bando, Mode2, JonOne, la force alphabétique sont considérés comme des précurseurs du mouvement des graffitis en Europe. Inspirés par les styles de lettre des fresques du métro de New York, la plupart d’entre eux ont commencé par peindre leurs noms avec la bombe et le marquage dans le métro. Avec quelques pochoirs comme Blek le rat et Miss.Tic, ils représentent la première vague d’art de rue en Europe.

Les premiers graffs de Ash ont été publiés dans plusieurs livres sur le sujet, tels que Spraycan Art de Henry Chalfant, et plus récemment dans Writers de Marc Aurèle et International Bomb It.

Astronaut / Cosmonaut - Acrylique sur papier - 125 x 95 cm

Happy Squad est un collectif de 3 jeunes artistes français, engagés dans différentes causes et travaillant principalement au pochoir.

Instagram - Aérosol sur toile - 70 x 50 cm
Supreme - Aérosol sur toile - 70 x 50 cm
Aérosol sur bois - 90 x 90 cm
Aérosol sur bois - 90 x 90 cm

Banksy est un graffeur, militant politique et réalisateur anonyme basé en Angleterre. Ses épigrammes de rue satiriques et subversives combinent humour noir et graffitis exécutés selon une technique de pochoir distincte. Ses travaux de commentaire politique et social ont été présentés dans les rues, les murs et les ponts des villes à travers le monde.

Le travail de Banksy est issu de la scène underground de Bristol, qui impliquait des collaborations entre artistes et musiciens. Banksy dit qu’il s’est inspiré de 3D, un graffeur devenu membre fondateur du groupe musical anglais Massive Attack.

Banksy a créé le documentaire “Exit Through the Gift Shop”, considéré comme le «premier film catastrophe de street art au monde», qui a fait ses débuts au Festival du film de Sundance en 2010. Le film est sorti au Royaume-Uni le 5 mars 2010. En janvier 2011, il a été nominé pour le Academy Award du meilleur documentaire pour le film. En 2014, il a été nommé Personnalité de l’année aux Webby Awards 2014.

Box Set - Impression sur papier et peinture sur mur - 25 x 25 cm

Thomas Dartigues dit Decktwo est un artiste basé à Paris. C’est un artiste pluridisciplinaire qui pratique la peinture murale, le dessin, la conception graphique animée et les effets spéciaux.

Il aime mélanger les médias et ne pas être enfermé dans un seul espace. Decktwo dessine depuis son enfance et a commencé à peindre sur les murs en 1996. Il aime parfois ranger des crayons et des marqueurs et s’emparer de sa tablette graphique et de son ordinateur. Cependant le cœur de son travail reste toujours le même, le dessin est le lien dans tout ce qu’il fait, il commence toujours à partir de là.

En 2007, il a été choisi pour peindre l’ensemble des murs de la galerie Arums, exposés notamment par des artistes célèbres tels que Philippe Pasqua et Ron Arad. Depuis lors, il a été appelé partout dans le monde pour des peintures en direct, de Tokyo à New York en passant par Genève. Il a également travaillé avec des marques comme L’Oréal, Louis Vuitton, Cartier, Guerlain, Lancôme, Renault, Ford, Asics, Vilebrequin, etc. Ses peintures et ses dessins suscitent un intérêt croissant de la part de collections privées.

Namba station - Stylo et encre sur papier

Thirsty Bstrd est un artiste plasticien français originaire de Paris qui utilise de la peinture en aérosol, des pochoirs, des autocollants et des vidéos.

Son travail consiste principalement à faire des commentaires satiriques sur la société, la politique et le consumérisme, en «utilisant des symboles puissants et des images populaires et en leur donnant un aspect drôle ou étrange. Le but étant de provoquer et de générer une émotion. »

De 2011 à 2015, il a été directeur artistique de sa propre agence de création basée à Paris. En plus de ses œuvres inventives pour les entreprises, il a travaillé comme commissaire et organisateur de nombreuses expositions d’art urbain à Paris et à Los Angeles, exposant son propre art à chaque occasion.

Son travail figure dans des expositions individuelles et collectives et dans de nombreuses collections à Paris, à Londres, à Singapour et aux États-Unis. Il a également attiré l’attention dans plusieurs ventes aux enchères d’œuvres d’art avec beaucoup d’enthousiasme. Ses œuvres, des pochoirs aux autocollants, peuvent être vues par un public mondial dans les rues.


Dran est né en 1980 à Toulouse, sa ville actuelle.

Il avait treize ans lorsqu’il s’est exprimé pour la première fois sur le mur. Diplômé, il intègre les Beaux-Arts de Toulouse. L’artiste n’a pas pu s’identifier dans l’esprit des Beaux-Arts et s’est constamment senti désynchronisé, sans pour autant rejeter les enseignements qu’il avait reçus. Un esprit libre, Dran s’est senti épanoui dans le street art, dans l’équipe de DMV.

Son univers est unique, original, à mi-chemin entre douceur et provocation, violence et humour. Ses personnages charnus et enfantins font face à la dureté et à l’absurdité du monde qui les entoure. L’œil de Dran examine et analyse la société contemporaine à travers un œil critique. Dans ses créations, l’artiste dissèque l’environnement, la consommation, la politique ou la religion, il les passe au peigne fin. Il utilise diverses techniques et supports, notamment des illustrations, des dessins, des pochoirs, des lithographies, des peintures, des sérigraphies et des photographies. Ses œuvres qui sont utilisées sur des cartons commerciaux ont ajouté à sa renommée.

On est pas la pour rigoler - HPM - 50 x 71 cm
Hurting image - Technique mixte et acrylique sur toile - 38 x 46 cm

Rafael (alias Sliks) est né et a grandi à São Paulo, au Brésil.

Fortement affecté par les textures de la ville et sa dégradation par le temps et la pollution, ses œuvres sont la synthèse d’essais sur la couleur, l’épaisseur des coups de pinceau et le croisement entre micro et macro pour composer une pièce artistique en adaptant la technique de la peinture murale. connu pour la toile. À l’aide de différents types de lignes, il crée des œuvres d’art abstraites qui migrent du figuratif vers le aléatoire, le synthétique et le micro.


La couleur, une essence, et le geste, son moteur. Franck Noto est l’ambassadeur d’une peinture qui dévale librement les longues routes de l’abstraction. Défiant toute idée de stagnation esthétique, c’est avec rigueur qu’il s’emploie à peindre une oeuvre qui synthétise ses influences diverses. Une oeuvre qui donne vie à un style unique et identifiable.

Sur une carrière longue d’une vingtaine d’années, Franck Noto s’est en effet adonné à exceller dans l’hyperréalisme, pour se tourner vers une progressive décomposition de style cubique des formes, des lettres de l’alphabet et des courbes féminines. Passé maître dans cet art de la suggestion, il poursuit cette orientation abstraite jusqu’à obtenir un rendu minutieusement épuré.

Qu’il se retrouve au pied d’une immense paroi ou en face de ses toiles, l’artiste défie les lois de la gravité en balayant ses supports de larges traits rappelant l’utilisation de la baranne, outil imparable du tagueur pour imposer de sa présence. Visiblement marqué par le poids des couches de peinture que les murs des terrains-vagues supportent, Franck Noto inflige dans le même esprit le recouvrement total de ses surfaces par la superposition en strates de couleurs. Et derrière chacune de ces couches, le pinceau (ou la bombe) semble révéler ou enterrer des secrets de fabrication médité par cet autodidacte. Délaissant toute idée de proportions, les lignes rencontrent les rondeurs dans un subtil jeu de contrastes, de volumes et de transparence Mais parler du travail de Franck Noto s’accompagne de toute évidence d’un discours sur la couleur, une obsession chez lui. L’artiste conjugue les couleurs comme des mots, et diffuse avec grâce un langage visuel structuré et volontiers pétillant. Un langage identifiable, revigorant.

Avouant un faible pour les teintes les plus fluos, il révèle une recherche remarquable d’associations de couleurs en travaillant des dégradés ou des clairs-obscurs. Franck Noto emprunte à l’Histoire de l’art ce don de peindre la réalité, en rendant visible l’invisible.

Technique mixte sur toile - 100 x 100 cm

Au cours des 30 dernières années, l’artiste londonien Zeus s’est inspiré de la culture urbaine pour créer des compositions dynamiques et expérimentales qui ont redéfini l’art du graffiti.
Captivé par la scène hip-hop des années 80, il a commencé à exprimer ses talents créatifs dans la rue à l’âge de 14 ans, utilisant ses murs, ses trains et ses grands espaces comme galeries.
Depuis lors, Zeus n’a cessé de repousser les limites de l’art du graffiti, prenant forme hors de son cadre traditionnel et dans de nouveaux lieux passionnants et plus légitimes.
Ses dernières œuvres représentent une fusion innovante de techniques de graffiti et de typographie, de beaux-arts et de sculptures et reflètent à la fois son passé dans les rues et sa formation officielle au Chelsea College of Art.


Benjamin « Ben » Sack est un artiste américain, connu pour ses dessins à la plume de paysages urbains imaginaires et complexes. Sack utilise l’architecture comme un support capable d’exprimer l’espace unique entre réalisme et abstraction. Des cathédrales gothiques aux gratte-ciels, ses villes sont souvent le produit de son imagination. Ses paysages urbains denses et détaillés, comprenant des bâtiments, des routes, des rivières et des ponts, traversent des siècles. Ces villes à grande échelle prennent des mois pour être achevées. L’artiste tire son inspiration de l’architecture, de l’histoire, de la musique, de la littérature et de la géographie.

Cognitive Overtones in Quanta Labyrinthia - Stylo et encre sur papier - 37 x 29 cm
Arch Angle - Stylo et encre sur papier - 37 x 29 cm

 RCF1 commence à s’exprimer à la bombe dans les années 80.
Après avoir marqué de tags, de throw-ups et de graffs les rues, les voies ferrées et les camions de Paris, il développe dans les années 90 un logotype : le Fantôme.

Influencé en premier lieu par le graffiti de New York (il interviewe Dondi, Phase 2 ou Zephyr en 1992 pour le légendaire magazine 1TOX) RCF1 inscrit avec ses Fantômes son autorité sur la vague de pictograffiti européen.
Le pictograffiti se développe à travers le monde dans les années 90 et pose un regard critique sur le graffiti tel qu’il se pratique alors, dépassant par son exercice de la bombe libre les vieux pochoirs et cassant par sa radicalité minimaliste les codes américains de la fresque colorée ornementale et virtuose. Le logotype ne cherche pas à « faire joli ».

La première expo dite Street Art se tient à Paris en 2000, réunissant les pionniers de cette tendance, André, Honet, Space Invaders, Zevs, RCF1.
Son groupe, P2B, se distingue des autres crews par un avant-gardisme délibéré, chaque membre ayant une approche singulière de cette pratique (Popay, Honet, Stak, Poch…).

2009 voit le travail de RCF1 exposé à la Fondation Cartier dans le cadre de l’exposition « Né dans la rue » alors qu’il passe en jugement pour les nombreux wagons peints sur les lignes de gare du nord. 

RCF1 figure en 2011 au catalogue des plasticiens représentant la France à l’étranger au coté de Jonone, L’Atlas ou Speedy Graphito, et exécute pour l’Alliance Française des fresques au Brésil, à Tokyo ou encore Buenos Aires…

Bel ami - Technique mixte sur toile - 80 x 80 cm
Raison - Technique mixte sur toile - 110 x 110 cm

L’art multidisciplinaire d’Arsham associe art, architecture et performance. Elevé à Miami, en Floride, Arsham a participé à la Cooper Union à New York, où il a reçu le Gelman Trust Fellowship Award en 2003. Peu de temps après, il a été invité à créer un décor et une tournée avec la chorégraphe Merce Cunningham’s Dance Company, menant à une pratique continue de la scénographie et à une collaboration soutenue avec le chorégraphe et ancien danseur de Cunningham, Jonah Boaker.


Arsham a fondé Snarkitecture avec son partenaire Alex Mustonen en 2007. [citation requise] La collaboration en matière d’architecture a notamment consisté à travailler avec des marques de mode, à concevoir des aménagements intérieurs et architecturaux, ainsi qu’à une gamme complète d’objets de design fonctionnel.

En 2014, Arsham, Films of the Future, était né. [Citation nécessaire] Cette société de production synthétise l’ensemble de la production créative d’Arsham au cours de la dernière décennie et crée un cadre visuel dans lequel son œuvre pourrait exister, dans un monde lointain et futuriste.
Le travail d’Arsham a été présenté à la PS1 à New York, au Museum of Contemporary Art de Miami, à la Biennale d’Athènes à Athènes, en Grèce, au New Museum à New York, au Mills College Art Museum à Oakland, au Cincinnati CAC, au SCAD Museum of Art à Savannah. GA, Californie et Carré d’Art de Nîmes, France, entre autres.


Sa dernière série, Future Relic, dure deux ans et consiste en neuf courts métrages décrivant une civilisation future avant et après que la Terre subit des changements écologiques majeurs. La série comprend également des sculptures d’artefacts médiatiques pétrifiés du XXe siècle, construits pour ressembler à des artefacts en décomposition par l’obsolescence.


L’idée de détruire quelque chose pour créer quelque chose de nouveau est une si belle chose pour moi. La destruction va de pair avec le manque de contrôle dont je suis témoin lorsque je poursuis de nouvelles œuvres et de nouvelles idées. Les peintures sont faites au hasard, les éléments sont détruits pour devenir potentiellement des œuvres d’art et inspirés des peintures d’anthropométrie d’Yves Klein et de la méthode d’impression japonaise traditionnelle “Gyotaku”.

Presque tout le monde sur cette terre a quelque chose de sentimental en lui depuis son enfance, en particulier dans le monde occidental et la plupart du temps, c’est sous la forme d’un jouet, d’une peluche. Il arrive un moment où beaucoup de ces gens décideront qu’il est temps de lâcher prise et de poursuivre leur vie en se débarrassant de cette peluche. Capturer ce sentiment d’enfance dans mon travail me semble très important. Cet enfant est toujours en chacun de nous, que cela nous plaise ou non. La nostalgie est ce dont nous avons besoin dans notre vie moderne pour continuer et conserver la chaleur et l’amour de notre passé.


FenX est un artiste urbain né en 1974 dans le département des Hauts-de-Seine, dans la banlieue de Pairs. Il vit et travaille en France.

Lorsqu’il était adolescent, il était impliqué dans le mouvement des arts de la rue: il était passionné de graffiti, de hip-hop et de skateboard. En 1995, il prit le pseudonyme FenX (prononcé Fenix). Esprit rebelle, il a commencé à faire du graffiti pour défier les interdits.

Immergé dans la culture des années 1980 (manga, super-héros, bandes dessinées), FenX est peu à peu passé des peintures murales de lieux urbains au travail sur toile, un support lui permettant de créer des œuvres permanentes.

Il est inspiré par des artistes tels que Lichtenstein, Warhol et Crash. Il réinterprète les chefs-d’œuvre du mouvement Pop Art et capture dans ses peintures une énergie et une atmosphère urbaines, introduisant une réflexion sur notre société à travers des phrases cachées, des détails suggestifs ou les titres qu’il donne à ses œuvres.

Ses œuvres ont été exposées en France et à l’étranger (États-Unis, Singapour, Hollande, Hong Kong, Norvège).

 


Brusk développe sa créativité dès son plus jeune âge. Un crayon à la main, il passe son temps à griffonner jusqu’ à sa rencontre avec le graff et le Hip Hop en 1991. Diplômé de l’école des beaux – arts de Saint Etienne, son travail approfondi sur le graff, devient un cas complètement atypique pour le corps professoral. Il apprivoise de nouvelles techniques et aborde différents médiums ( photo, vidéo, informatique), poussant ainsi ses limites et s’ouvrant de nouveaux univers créatifs.
La maîtrise de nombreux outils, lui permet de travailler aussi bien le figuratif, l’abstraction, le réalisme ou le graphisme épuré.
Brusk développe sa démarche sur divers supports, il est souvent amené à exposer son travail et à investir des lieux insolites. Son style élaboré au fil des années, allie un travail calligraphique, en 3D , des personnages et des mises en scènes. L’équilibre des ses compositions repose sur un subtil jeu de gestion de l’espace, des vides et des accumulations, des matières, des superpositions de plans …

Il parvient à une alchimie entre différentes influences nées de la photographie, de la bande dessinée, du cinéma mais aussi de son acuité à saisir les esthétiques urbaines. Sa volonté de transposer dans des univers autres que celui d’origine, le conduit à travailler sur du textile, du design de meubles, du packaging inédits, des objets, des projets multi – média…Vizual Update.